„‚Ist Gott ist‘-Rezension: Diesmal die Feuer“

Ein kleines Mädchen sitzt still auf einer Spielplatzbank. Ein anderer, kleiner, aber ähnlich gekleidet, schleicht sich neben sie und legt einen Kopf auf ihre Schulter. Zu Beginn von „Is God Is“ stehen die zweieiigen Zwillinge Anaia und Racine mit dem Rücken zu uns, aber ihre körperliche Intimität und sogar ihre aufkommende Dynamik strahlen von Anfang an in dem kraftvollen Regiedebüt der Dramatikerin Aleshea Harris aus.

Während sich die Kamera den Mädchen nähert, kommt ein Junge ins Bild, bleibt stehen und starrt Anaia an. Das kleinere Mädchen steht auf, nimmt ein Stück Holz und folgt ihm aus dem Bild. Wenn Sie das Off-Comeuppance des Jungen an die griechische Angewohnheit erinnert – nein, nicht an Alpha Kappa Alphas, sondern an Sophokles –, außerhalb der Bühne Gewalt anzuwenden, dann sollte das so sein.

Harris hat ihr preisgekröntes Stück über häusliche Gewalt und Rache mit Blick auf diese epische Tradition geschrieben. Für ihre Verfilmung nutzt sie Muskelmagie, um die Rachesaga von Racine und Anaia zu transportieren (die Premiere im Jahr 2018 im Soho Rep in Manhattan) bis hin zur echten Open Road, einem der beliebtesten Reiseziele des amerikanischen Kinos. Es ist eine Reise, die mit einem Brief von „Gott“ beginnt, oder genauer gesagt, der Mutter von Racine und Anais, Ruby, dargestellt von Vivica A. Fox.

Nachdem sie das Pflegesystem überlebt haben, leben Racine (Kara Young) und Anaia (Mallori Johnson), jetzt 21, allein in einer Eisenbahnwohnung im Nordosten. Sie hatten geglaubt, ihre Mutter sei in den Flammen ums Leben gekommen, die sie verschlungen hatten, als sie drei Jahre alt waren – eine Feuersbrunst, die von ihrem Vater, hier bekannt als Man (Sterling K. Brown), entfacht worden war. Racine hat schreckliche Narben an Armen, Rücken und Nacken. Anaias Gesicht, Hals und Arme sind von Verbrennungen übersät. Als ihre Mutter sie ruft, springen die Zwillinge in ihren braunen Oldsmobile Cutlass und machen sich auf den Weg in den schmutzigen Süden, um sie zu treffen.

In dieser lebendigen Fabel über familiäre Traumata sind nicht nur die Körper der Auslöser. Als die Zwillinge in einem bescheidenen Pflegezentrum ankamen und grüne, durchsichtige Vorhänge zurückzogen, um das Zimmer ihrer Mutter zu betreten, hätten sie vielleicht in die Kamera geschaut und gesagt: „Wir sind nicht mehr im Realismus.“ Ruby liegt auf einem Bett, umgeben von Krankenpflegerinnen, in der Nähe einer Infusion. Selbst wenn Ruby eine Gesichtskompressionsmaske trägt, um ihre Verbrennungen abzudecken, wirkt sie königlich. Sie ist eine Vision; eine Königin kümmerte sich darum. Es ist schwer, nicht vor Vergnügen zu schmunzeln, wenn man Fox zusieht, die Vernita Green in Quentin Tarantinos Racheritt „Kill Bill: Vol. 1“ spielte und diesen Insta-Klassiker der Rache einläutete. In einer sepiafarbenen Szene, die einem Horrorfilm auf die Nerven geht, erzählt Ruby von der Nacht, in der der Mensch angegriffen wurde. „Mach deinen Daddy tot. Wirklich tot“, sagt sie zu ihren Töchtern.

Harris hat ein sicheres Gespür für die Herausforderungen der griechischen Tragödie, setzt sich aber auch mit Afropunk-Flairs und Spaghetti-Western-Anklängen durch. Das waren die unverschämt lustigen Gesten, auf die Kritiker bei der Uraufführung des Stücks hinwiesen. Aber noch bewegender und weniger anerkannt ist die Tatsache, dass „Is God Is“ im Geiste, wenn nicht sogar in der Praxis, auch auf eine schwarze literarische matriarchale Abstammungslinie hinweist. Wenn Racine und Anaia einen triumphalen Ruf ausstoßen könnten, würden sie vielleicht ihre Fäuste heben und rufen: „Das hier ist für Pecola!“, womit sie sich auf das herzzerreißende misshandelte Kind in Toni Morrisons Debütroman „The Bluest Eye“ beziehen.

„Is God Is“ ist durch und durch episch und mit etwas mehr als anderthalb Stunden Spielzeit überraschend flott. Jede Station auf Anaias und Racines Roadtrip in Richtung Vergeltung hat ihren eigenen augenzwinkernden Charakter (das Produktionsdesign stammt von Freyja Bardell). Da ist das weiße Schindelhaus, das heute eine schwarze Kirche ist. Dieses wird von der charismatischen Predigerin Divine (Erika Alexander) dominiert. Sie ist ein schmerzhafter Widerspruch: Sie hat Einfluss auf ihre Gemeinde, hat aber dem Vater der Zwillinge einen Altar gebaut. Vor Jahren verließ der Mann sie und ihren noch nicht geborenen Sohn Ezekiel, der jetzt ein junger Mann ist (Josiah Cross). Die Art und Weise, wie eine starke Frau mitschuldig sein und dann vom Mann kompromittiert oder schlimmer noch werden kann, ist ein durchgehendes Thema.

Im holzgetäfelten Büro eines Anwalts finden die Zwillinge einen gebrochenen Verteidiger, Chuck Hall (Mykelti Williamson). Er kritzelt seine Antworten auf das Verhör der Zwillinge auf eine kleine, trocken abwischbare Tafel, denn obwohl er Man freigesprochen hat, ist Hall der leichtfertigen Grausamkeit seines Mandanten nicht entgangen. Halls Informationen werden die Zwillinge in ein makelloses, niedriges McMansion in einer Wüste namens Valley schicken, wo Man sich mit einer weiteren Familie niedergelassen hat: seiner Frau Angie (Janelle Monáe) und ihren jugendlichen Zwillingen Scotch (Xavier Mills) und Riley (Justen Ross).

Brown macht es sich bequem als Zigarillo rauchendes, gut redendes Monster. Über weite Strecken des Films sehen wir nur den Mund des Mannes, begleitet von seiner Quiet Storm-Trittfrequenz. Wie verführerisch ist er? Als Man endlich seinen Gegenentwurf zu Rubys Geschichte dieser schicksalhaften Nacht vor Jahren vorbringt, klingt das glaubwürdig. Fast.

Von seinem Beginn im Nordosten bis zu seiner Reise nach Westen ins Tal ist die Geografie des Films absichtlich vage gehalten. Was anschaulich konkret ist, sind die Auftritte von Young und Johnson. Young (der mit aufeinanderfolgenden Siegen bei den Tony Awards Geschichte geschrieben hat) genießt Racines Wut. Die mit Steinen gefüllte Röhrensocke, die sie schwingt, wird immer roter. Unter dem erkalteten Lavastrom von Anaias Gesichtsnarben signalisiert Johnson mit ihren Blicken und ihrer gedämpften Stimme Schmerz, Angst und Mitgefühl. Gemeinsam gelingt den Schauspielern eine symbiotische Leistung, die abwechselnd erschütternd, urkomisch und im Grunde herzzerreißend ist.

Es ist auch philosophisch reichhaltig. „Willst du jemals deine Narben abkratzen und sehen, was darunter ist?“ Racine fragt ihren Zwilling. Wie könnte ein Film den Kampf zwischen Gewissen und Wut besser verkörpern als in einem Gespräch zwischen unzertrennlichen Zwillingen? „Wir sind keine Mörder“, beharrt Anaia gegenüber Racine mehr als einmal. „Wie kommst du darauf?“ Racine antwortet. „Wir stammen von einem Mann ab, der versucht hat, unsere Mama zu töten, und von einer Mama, die diesen Mann töten will. Das liegt uns im Blut.“

„Is God Is“ ist flink in seinen Freuden und sicher in seiner Ernsthaftigkeit. Zusammen mit ihren Redakteuren (Jay Rabinowitz und Blair McClendon) und ihrem Kameramann (Alexander Dynan) lässt Harris nur wenige kreative Steine ​​auf dem anderen. Zwischentitel fangen den telepathischen Austausch ein. Die Charaktere geben ihre eigene Einführung im Voice-Over. Geteilte Bildschirme verstärken die Spiegelung der Schwestern. Harris‘ Entscheidungen sind so bewusst, dass es einem schwer fallen könnte, auch nur die Texte der im Hintergrund laufenden Lieder zu entschlüsseln, in der Gewissheit, dass sie wie ein Libretto die Saga vorwärts und tiefer bringen. (Die Partitur stammt von Joseph Shirley und Moses Sumney.)

Zu Beginn des Films trägt Racine ein T-Shirt mit der Aufschrift „Listen to Hear“. Dieser Koan-ähnliche Satz wird zu einem Splitter der Poesie, über den man weiter nachdenken kann. „Ist Gott ist“ fordert uns auf, auf subtile und mutige Weise auf seine Komik und Angst zu achten. Es erfordert, ohne dass es den Anschein hat, dass wir beobachten, um zu sehen, wirklich zu sehen.

Ist Gott?
Mit R bewertet für blutige Gewalt und starke Sprache. Laufzeit: 1 Stunde 39 Minuten. Im Kino.