Critique des courts métrages nominés aux Oscars 2024 : petites durées, grands thèmes

Les courts métrages nominés aux Oscars sont présentés dans trois programmes: live action, animation et documentaire. Chaque programme est examiné ci-dessous par un critique distinct.

Action en direct

Quels que soient vos points à retenir de la section action réelle des courts métrages nominés aux Oscars de cette année, il est peu probable que le rire en fasse partie. Suicide, avortement, deuil, cadavres décolorés – ils sont tous là, dans un déluge de déprimes que seuls les Danois (et, en fonction de votre tolérance à l’extrême préciosité, Wes Anderson) peuvent faire confiance pour atténuer.

Mais ces Danois ! Dans la comédie magnifiquement morbide de Lasse Lyskjer Noer, “Knight of Fortune”, deux veufs en deuil se lient autour du papier toilette et du traumatisme de voir un être cher dont la chair – comme l’ont prévenu deux macabres employés de la morgue – pourrait être de la couleur d’une banane. Bien que, baigné par le déversement maladif des néons de la morgue, le teint de personne ici n’est vraiment éclatant.

Si « Knight of Fortune » est un léger coup de coude dans les côtes, « The After » de Misan Harriman est un deux par quatre dans le ventre – et pas dans le bon sens. Trafiquant le genre de sentiment forcé qui peut vous faire souffrir d’urticaire, ce film magnifiquement tourné, mettant en vedette David Oyelowo, qui déchire un vêtement, suit un chauffeur de covoiturage londonien à la suite d’une tragédie personnelle choquante. Une bande-son banale et intimidante nous conduit vers le point culminant histrionique d’un film qui ne nous fait pas confiance pour y arriver par nous-mêmes.

Plus retenu et infiniment plus sonore, « Invincible » suit les dernières 48 heures de la vie d’un garçon de 14 ans (Léokim Beaumier-Lépine) qui lutte pour maîtriser ses émotions et obtenir sa sortie d’un centre pour jeunes en difficulté. Le jeu des acteurs est impressionnant et la mise en scène (de Vincent René-Lortie, tirée d’un douloureux souvenir du vécu) est audacieuse et intuitive. Les photographies subtilement intimes d’Alexandre Nour Desjardins contribuent grandement à rehausser un film qui comprend qu’en matière d’émotions, moins c’est souvent plus.

Pour Wes Anderson, moins est rarement une option. Alors que « La merveilleuse histoire d’Henry Sugar » parcourt une forêt de décors complexes, une rafale de visages célèbres (Benedict Cumberbatch, Ralph Fiennes, Ben Kingsley) et de multiples intrigues, ses 37 minutes de narration pratiquement ininterrompue peuvent ressembler à autant d’heures. . Changeant de personnage à l’écran et s’adressant directement à la caméra, les acteurs naviguent dans une histoire en constante évolution (adapté de l’original de Roald Dahl) et remuant constamment son environnement. Un exercice magnifique, ingénieux et finalement épuisant de réalisation de films en forme de boîte à puzzle.

Même en tenant compte du flash et de la renommée d’Anderson, “Red, White And Blue” de Nazrin Choudhury – le seul des entrées de cette année qui soit ouvertement politique – est clairement le point fort du programme. Enveloppant l’acier froid de son message dans un emballage doux et velouté, cette observation magnifiquement interprétée et chaleureusement photographiée de la précarité financière suit une mère célibataire désespérée (Brittany Snow) qui doit traverser les frontières de l’État pour interrompre sa grossesse. Minutieusement construit à partir de petits détails révélateurs, le film se termine avec le genre de piqûre qui persiste plus longtemps que n’importe quel reportage. JEANNETTE CATSOULIS

Les courts métrages d’animation nominés aux Oscars de cette année – des récits qui donnent à réfléchir sur la guerre, les agressions, les traumatismes, l’identité et le regret – posent la question suivante : quels outils les cinéastes peuvent-ils utiliser pour raconter une histoire poignante, mais sans exploitation ni gratuite, sur le traumatisme ?

La nouvelle technique utilisée par les réalisateurs Jared Hess et Jerusha Hess dans “Ninety-Five Senses” est la structure de l’histoire : un détenu (exprimé par Tim Blake Nelson) en train de manger son dernier repas réfléchit de manière anecdotique sur chacun de ses sens, racontant des bribes de la vie qu’il a vécue. avait (et la vie qui aurait pu être). Chaque sens est illustré par différents artistes, dans un style différent, créant une sorte d’anthologie de 13 minutes d’une vie – mais cela rend également ce film discret un peu incohérent, les vignettes manquant de construction pour amener le film à un aspect satisfaisant. conclusion émotionnelle.

« Our Uniform », une sélection de 7 minutes du réalisateur iranien Yegane Moghaddam, contient beaucoup de choses dans une réflexion succincte sur son uniforme scolaire et sur la manière dont les règles restrictives de la mode de sa culture ont façonné sa compréhension de son genre et de son autonomie. Comme « Ninety-Five Senses », le récit de « Our Uniform » est simple et direct, mais ce dernier montre le concept d’animation le plus créatif du groupe ; les illustrations se déplacent sur fond de tissus variés, avec des personnages courant autour des boutons et le long des coutures.

Dans le court métrage français calme mais déchirant « Pachyderme », de la réalisatrice Stéphanie Clément, une jeune fille raconte ses étés avec ses grands-parents à la campagne. Le style artistique robuste – chaque plan est aussi joliment ombré qu’une peinture – et la narration sous sédation créent le sentiment d’un conte de fées de Grimm, montrant comment des détails apparemment inoffensifs peuvent cacher quelque chose de menaçant en dessous.

Le monstre tacite de « Pachyderme » reflète le monstre en constante évolution dans l’époustouflante « Lettre à un cochon », réalisé par Tal Kantor. Dans le film, un survivant de l’Holocauste parle à une classe de jeunes élèves du cochon qui lui a sauvé la vie. Bien que le film ne détaille jamais les atrocités de la guerre, il dresse un tableau tout aussi effrayant à travers des métaphores visuelles incisives. L’animation, qui passe de simples dessins au trait en noir et blanc à des aquarelles roses charnues en passant par le réalisme 3D, crée un récit sophistiqué et déchirant d’une tragédie.

Juxtaposé à une histoire de guerre aussi remarquable, « La guerre est finie ! Inspiré par la musique de John et Yoko », ça sent bon. Dans une Première Guerre mondiale alternative, les soldats des deux camps trouvent un moyen de se connecter. Une mort télégraphiée et le chant idéaliste de John Lennon et de Yoko Ono en font le moins impressionnant d’une catégorie de films par ailleurs forte sur les parties les plus sombres de l’humanité. MAYA PHILLIPS

Documentaire

Un seul court métrage documentaire nominé cette année présente l’équilibre parfait entre intérêt humain, pertinence sociale et attrait esthétique qui tend à faire un gagnant.

C’est «Le dernier atelier de réparation» réalisé par Ben Proudfoot, lauréat il y a deux ans, pour “La reine du basket-ball” une production du New York Times Opinion, et le compositeur Kris Bowers, nominé avec Proudfoot pour « Un concerto est une conversation » un autre documentaire du Times Opinion. Cette fois, tous deux ont réalisé leur documentaire avec le Los Angeles Times. Mais c’est un meilleur film, et il se trouve qu’il a un sujet à Los Angeles.

L’atelier de réparation du titre répare les instruments pour le district scolaire de la ville ; selon le texte d’ouverture, ce service est offert aux étudiants depuis des décennies. Le film présente les souvenirs de quatre spécialistes (des cordes, des cuivres, des bois et du piano), qui partagent leurs expériences d’immigration, d’acceptation de l’homosexualité et même de première partie d’Elvis dans un groupe de bluegrass, une récompense à long terme de acheter un violon à 20 $ lors d’une réunion d’échange. Les écoliers témoignent également de la façon dont la musique affecte leur vie. Le contraste générationnel donne à « The Last Repair Shop » une forme agréable et l’aide à présenter un argumentaire non biaisé en faveur de l’importance du financement de l’éducation musicale.

Sentimentalité dans « Nǎi Nai et Wài Pó » est une donnée. Réalisé par Sean Wang, qui a reçu sa nomination aux Oscars au moment même où son premier long métrage, “Dìdi”, était sorti. devenir un chéri de Sundanceles profils courts de Wang deux grand-mères, qui sont si proches qu’ils dorment même dans le même lit. Wang les décrit comme des cut-ups (il les filme en train de faire un bras de fer, de regarder “Superbad” et généralement de faire des idiots), ce qui est gentil, mais le sujet est un peu trop facile. Le documentaire ne transcende jamais le fait d’être un film amateur de qualité professionnelle.

Ce n’est pas non plus une astuce que de susciter le pathos chez une veuve centenaire de la Seconde Guerre mondiale qui s’exprime contre un conseil scolaire censuré de Floride – ce qui se produit dans «L’ABC de l’interdiction des livres» réalisé par Sheila Nevins, responsable des documentaires de longue date de HBO, maintenant chez MTV. Le cœur du film est constitué d’enfants qui parlent de livres que les autorités ont retirés ou envisagent de retirer des écoles. Bien que l’utilisation des enfants puisse sembler bon marché, ils sont toujours attentionnés. «C’est comme si vous essayiez de ralentir la lecture des enfants», dit Ruth Anne, une élève de quatrième année, à propos de ceux qui retiraient les livres des étagères.

Celui de John Hoffman et Christine Turner “Le Barbier de Little Rock” se concentre sur Arlo Washington, qui a créé une école de barbiers, puis un fonds à but non lucratif dans le but spécifique d’aider les résidents noirs mal desservis de Little Rock, Ark. Le court métrage divise la différence entre observer Washington et son fonds au travail et présenter des entretiens soignés avec lui. et d’autres. La première approche est plus efficace que la seconde.

Enfin, «L’île entre les deux» un documentaire du Times Opinion du réalisateur taïwanais S. Leo Chiang, explore les questions d’identité nationale à travers le prisme de Kinmen, des îles gouvernées par Taiwan mais géographiquement plus proches de la Chine continentale. C’est le titre le moins insistant et le moins résolu de la programmation, ce qui signifie qu’il n’a pratiquement aucune chance. Ben Kenigsberg

Les courts métrages nominés aux Oscars 2024 : Live Action
Non classé. Durée : 2 heures 31 minutes. Dans les théâtres.

Les courts métrages nominés aux Oscars 2024 : animation
Non classé. Durée : 1h20. Dans les théâtres.

Les courts métrages nominés aux Oscars 2024 : documentaire
Non classé. Durée : 2 heures 33 minutes. Dans les théâtres.