Rezension zu „The Zone of Interest“: Ein hohler Holocaust

Die Nähe ihres Zuhauses und dieser Gebäude ist ein Schock und basiert auf Tatsachen. Die echte Familie Höss lebte wie ihre fiktiven Kollegen im Auschwitz-Komplex, einem etwa 15 Quadratmeilen großen Streifen, der verschiedene Lager in einem Gebiet namens Interessengebiet beherbergte. Das Haus lag versteckt in der Nähe einer Ecke des ältesten Lagers, Auschwitz I, das über Häftlingsbaracken, Galgen, eine Gaskammer und ein Krematorium verfügte. Nachdem Höss 1946 verhaftet worden war, schrieb er: „Meiner Familie ging es in Auschwitz gut, jeder Wunsch meiner Frau und meiner Kinder wurde erfüllt.“ Die Kinder liefen frei und seine Frau hatte „ihr Blumenparadies“. Er wurde 1947 in Auschwitz gehängt, nicht weit vom Wohnort der Familie entfernt.

Der Zeitrahmen in Glazers Adaption ist vage, scheint jedoch hauptsächlich im Jahr 1943 zu liegen, bevor der echte Höss in ein anderes Lager verlegt wurde. Der Film beginnt auf einem schwarzen Bildschirm, begleitet von etwas Musik, einer ahnungsvollen Ouvertüre, die einer friedlichen Szene an einem Fluss mit einer Gruppe von Menschen in Badeanzügen Platz macht. Schließlich ziehen sie sich an und fahren los. Ein Großteil des restlichen Films spielt im Haus der Familie Höss, wo Glazers sorgfältig eingestellte, oft fest installierte Kameras die spielenden Kinder aufzeichnen, während die Eltern plaudern und manchmal streiten. Man sieht, wie Rudolf zur Arbeit im Lager geht, während Hedwig das Haus beaufsichtigt. An einer Stelle beobachten Sie auch einen Gefangenen, der still und heimlich Asche im Garten verteilt, um den Boden zu verbessern.

In „The Zone of Interest“ bedient sich Glazer einer Reihe von Kunstfilmkonventionen, darunter narrative Ellipsen und lange, ununterbrochene Einstellungen. Die Charaktere werden durchgehend auf Distanz gehalten (als ob sie überwacht würden) und größtenteils in mittleren oder langen Einstellungen gefilmt; Ich erinnere mich nur an eine grimmige Nahaufnahme eines Gesichts. Es gibt Musikausbrüche (von Mica Levi), ein Teil enthält beunruhigendes Jaulen und Jubeln, wenn auch kein konventioneller Soundtrack. Der aufwändig geschichtete Ton stellt alltägliche Gespräche und Geschwätz größtenteils in den Vordergrund und überdeckt ein tiefes, anhaltendes maschinenartiges Summen, ein Dröhnen, das regelmäßig von Zuggeräuschen, gedämpften Schüssen und unverständlichem Geschrei unterbrochen wird. Es klingt wie der Motor des Todes.

Die Gesamtwirkung von Glazers Herangehensweise an dieses Material ist zunächst zutiefst beunruhigend, vor allem weil man sich im Alltag Sorgen macht, dass er einen in die Vernichtungsräume mitnimmt. Stattdessen konzentriert er sich weiterhin auf das Alltagsleben der Hösses, ohne offensichtliche Leitartikel (oder Empörung), emotional schürende Musik oder die üblichen Mainstream-Filmaufforderungen. Die Kameraführung ist – bis auf ein paar Reiseaufnahmen, die die Nähe des Hauses zum Inneren des Lagers unterstreichen – glatt und diskret. Es ist nachweislich unauffällig. Es ist alles sehr selbstverständlich, ob Hedwig einen Besucher durch den Garten führt oder Rudolph mit einigen geeignete Führungskräfte Diskussion über Pläne zur Erweiterung des Lagers.

Indem Glazer den alltäglichen Aspekt und die ruhige Struktur des Familienlebens betont, betont er, wie alltäglich diese Welt ist, eine Alltäglichkeit, die an das erinnert, was Hannah Arendt in ihren Schriften über den Prozess gegen Adolf Eichmann, einen der Organisatoren des Holocaust, berühmt nannte „Banalität des Bösen.“ Rudolf und Hedwig wirken wie ein konventionelles bürgerliches Ehepaar (wie gruselig auch immer). Als er eine Beförderung erhält, die einen Umzug erfordert, wehrt sie sich. Hin und wieder jedoch brechen Risse an der Oberfläche dieser Ruhe, etwa wenn Hedwig einen Pelzmantel anprobiert, der einem Gefangenen beschlagnahmt wurde; Sie schließt sich zunächst in einem Raum ein, was darauf hindeutet, dass sie sich versteckt und darüber hinaus weiß, dass sie etwas falsch macht.